“Horses”, el grito de libertad de Patti Smith
Un fenómeno cultural nació con este disco. Patti Smith se convirtió en un referente social y cultural. Su visión del feminismo sirvió también para abrir muchas puertas, y romper muchos techos de cristal impuestos por la sociedad patriarcal
Aunque para el mundo la explosión del punk ocurrió en Gran Bretaña, su ideario, su base creativa estuvo en New York. Allá por la mitad de la década de los 70 y bajo la cúpula de la mítica sala CGBG, se paseaban demostrando su poder exuberante bandas del calibre de The Ramones o Blondie. Una joven también irrumpía con fuerza. Un espíritu indomable, lleno de vigor e independencia… era Patti Smith.
Ponemos nuestra particular máquina del tiempo y viajamos al otoño de 1975, en concreto a los Electric Lady Studios de Nueva York. Allí Patti Smith y su banda comenzaban a crear lo que sería una obra maestra homenaje al punk y a los tiempos que estaban viviendo. “Horses” significa la idea perfecta de cómo se puede ser contemporáneo y a la vez tener visión de futuro. Una crónica de esos alocados días que todavía ahora respira como si llevara entre nosotros muy pocos días.
Patti Smith junto con su banda ya eran muy conocidos en la escena neoyorkina en el momento de la grabación de “Horses”. La diva punk no ocultaba sus influencias de artistas de la talla de Jimi Hendrix, Little Richard, Jim Morrison etc… Pero su personalidad musical no solo se forjó a base de rock, el jazz era muy importante para ella, tal y como se vería en sus futuras composiciones, y músicos como Smokey Robinson o John Coltrane marcaban de manera decidida la visión que tenía del mundo de la música.
Un álbum especial desde la portada. Una fotografía hecha por Robert Mapplethorpe que nos muestra a una Patti Smith totalmente al natural, recogiendo la esencia de lo que ella representaba: libertad y emancipación. El triangulo de luz que se puede ver en la foto es producto de la luz natural del atardecer, dando un toque realista y crudo. La fotografía tomada a Smith era el mismo reflejo del contenido auditivo que nos encontraríamos entre los surcos del vinilo. Unas composiciones crudas, directas que no querían aditivos y que se querían mostrar tal y como eran. La compañía discográfica quiso meter algún retoque en la portada, uno de ellos fue quitar el incipiente bigote que se le podía ver a Smith. Ella se negó en rotundo, ni un pelo se podía tocar. Y así quedó.
Patti Smith entendió el feminismo como una pulsión transformadora, libre de ataduras, libre de convencionalismos. Tú pones las diferencias, no te las imponen los demás. La cantante recibió una dura educación religiosa. Su madre era Testigo de Jehová y por tanto toda su infancia estuvo muy mediatizada por tal hecho. Como detalle podemos escuchar como primera estrofa que abre el disco lo siguiente: “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”.
El álbum fue producido por John Cale de la Velvet Underground, acompañada de Lenny Kaye a la guitarra, Jay Dee Daugherty a la batería, Iván Kral al bajo y como teclista Richard Sohl. Estos músicos ayudaron a crear una gran mística alrededor de Smith y sacarle el jugo necesario a su voz. Una voz normal, sin un gran chorro vocal, pero con una actitud a prueba de bombas.
El estilo musical del álbum es ecléctico. Con una base eminentemente rock, nos sumerge en otras tonalidades que van desde el jazz, pasando por el punk y el reggae. Un manuscrito musical que da fe de la realidad de esos tiempos tan convulsos en el plano social y musical. Todo ello se pudo recoger bajo el sello Arista Records y Patti Smith Group dejaron su sello para siempre en un álbum mítico muy difícil de encasillar. Ahí radicó su fuerza.
8 temas que pasaron a la historia de la música contemporánea en un abrir y cerrar de ojos, y que consagro a Patti Smith como la nueva musa feminista/punk de la época. La poetisa del rock ya se había ganado el favor de los dioses. Rimbaud como genio principal de la inspiración de la artista.
No me puedo imaginar una mejor manera de abrir un disco que con un tema de la talla de “Gloria”. Canción original del grupo irlandés Them que tenía como principal actor vocal al grandísimo Van Morrison. El tema se dividió en dos partes, la primera llamada “In Excelsis Deo” y la segunda la compone la versión simple del tema “Gloria”. Un piano lento parsimonioso da entrada a la voz descarada de Smith… y todo lo que viene después es historia. Un corte que va de menos a más y que termina sencillamente galopando. Descarnado, fuerte, con actitud.
Llegamos a la dinámica “Redondo Beach” un corte de aroma reggae que nos relata la historia de una playa de Los Ángeles donde las mujeres aman a otras mujeres. Un tema que a la postre se ha convertido en una herramienta de reivindicación y libertad feministas. La letra de la canción nos muestra el suicidio por ahogamiento de una joven tras una discusión con el narrador de la canción. Una canción que muestra al pie de la letra el carácter ambiguo y libre de Smith.
Una de las canciones más complejas y poéticas del álbum es sin lugar a dudas “Birdland”. El tema de la muerte era recurrente en el imaginario de Patti y muestra de ello es este corte. En él se narra de manera existencialista como un joven llora la muerte de su padre y busca en su conciencia e imaginación el escape ante tanto dolor. Anhelo, ansiedad, mundos oníricos donde transita Smith declamando un tema que desgarra por dentro. Transmutar el dolor por la ensoñación como un bálsamo milagroso que pueda curar las heridas de la ausencia del ser querido.
Llegamos a la mitad del álbum con “Free Money”, un corte más eléctrico, proto-punk que nos enseña las miserias del dinero. Muestra el camino que podemos tomar al tener dinero. Un mundo que no necesite el dinero, donde todos tengamos lo que queramos para cubrir nuestras necesidades más básicas. La utopia hecha canción. En definitiva tener dinero gratis para alcanzar de manera absoluta nuestros sueños y deseos. ¿Se puede pedir más?
“Kimberly” nos sumerge de nuevo en el mundo introspectivo de Patti Smith. Una canción personal conectada en la figura de una mujer a la que Patti parece estar muy unida. Todo fluye de una manera radiante, hacia mundos que no están aquí y caminos llenos de baldosas de oro hacia el mundo de Oz. Viajes comunes hacia lo místico, lo existencial. La búsqueda eterna del yo al que Patti Smith era muy dada. Canción edulcorada que nos abre nuestra mente hacia otras realidades de la mano de Kimberly.
“Break It Up” nos trae la colaboración del guitarrista Tom Verlaine de Television. Aquí vemos la conexión tan grande que tiene Smith con las bandas de su época, y Television era una formación que puso la base del futuro punk que se consumiría en los años venideros. La guitarra de Tom y La voz de Smith se reparten el protagonismo en un corte vigoroso y con actitud desafiante.
Llegamos a la parte final del disco. Y llegamos en concreto al punto álgido del disco. Nada menos que un monumento a la poesía, lirismo y a la música en la que Smith da lo mejor de ella. Nos estamos refiriendo a “Land: Horses, land Of Tomorrow, La Maer (De)”. Una larga pista diferenciada en tres partes en donde cómo decimos Patti Smith hace gala de todo el potencial que tiene y muestra a los cuatro vientos que es la nueva reina del underground. Frases históricas que se circunscriben al ámbito de la liberación sexual de la mujer. Toda la ambigüedad, libertad e indefinición de géneros lo desarrolla de manera magistral Patti Smith en esta canción. Un tema que resume perfectamente lo que quiere expresar en este disco.
Última parada del álbum. Con “Elegie”, la musa del rock rinde homenaje a sus referentes musicales tristemente desaparecidos. Una balda a piano que muestra todo el sentimiento de Patti Smith y su mirada nostálgica hacia todo lo que ha marcado su vida. Nostalgia y mirada al futuro para despedir un disco sencillamente irrepetible. Como curiosidad comentar que colabora en esta canción final del disco el guitarrista de los Blue Oyster Cult. Allen Lanier.
En 1996 se reeditó este álbum y se añadió un versión de “My Generation” de The Who, extraída de un concierto celebrado en The Agora, Cleveland (Ohio) el 26 de junio de 1976. Un aderezo perfecto para un álbum que siendo sinceros no necesitaba más añadiduras.
Poco más que añadir. Un fenómeno cultural nació con este disco. Patti Smith se convirtió en un referente social y cultural. Su visión del feminismo sirvió también para abrir muchas puertas, y romper muchos techos de cristal impuestos por la sociedad patriarcal. Un referente insistimos para generaciones venideras. Patti Smith se convirtió en un gigante y ya nada fue igual.
Madrid –
